¿Tienes una compañía de teatro, danza, circo o te dedicas a la música, la poesía, el/la performance y deseas dar un salto cualitativo a tu propuesta escénica sin gastarte una millonada? Te ayudamos a mejorar tu presencia escénica.
Te presentamos al asesor escénico, una figura que se está abriendo camino en el panorama nacional español de las artes escénicas y que puede dar un empujón a tu proyecto y hacer que se caiga por el acantilado (soy el señor vèrtigo) y cuando estés cayendo al vacío puedas abrir tus alas para volar con esplendor.
¡No perdamos un segundo y comencemos ya a mejorar tu presencia escénica!
¿Alguna vez has sentido que un artista simplemente llena el escenario con su presencia, incluso sin decir una palabra? ¿Qué magia oculta hay detrás de esa habilidad? Quédate con nosotros y descubre el secreto detrás de una presencia escénica impactante. Sí, hay un pequeño truco que te revelaré más adelante. Estas frases las hemos copiado de otra mucha gente que vende artículos de belleza y eso, nos repelen un poco pero posicionan nuestra web.
¿Parecemos una página seria y en la onda actual que quiere venderte algo? Pues sí, tenemos un “Crecepelo” maravilloso.
Bromas aparte, quédate porque hay contenido interesante. En este artículo, vamos a hablar de términos relacionados con la puesta en escena. Independientemente de que seas una compañía de teatro, danza, circo, una banda de música, un/a performer o te dediques a la poesía, nuestro objetivo es comunicar lo que ocurre cuando nos exponemos frente a un público (haya escenario o no) y cómo podemos mejorar nuestra puesta en escena.
¿Qué es la proyección escénica?
Es algo tan sencillo y tan complejo como la habilidad que tiene un artista para conectar con la audiencia, transmitir emociones y ser percibido claramente, incluso por las personas en las últimas filas del lugar de representación. No sólo se trata de qué tan fuerte hables, sino de cómo te mueves, detienes, y de cómo interactúas con el espacio, los elementos y las personas que te rodean.
Para mejorarla debemos comprender todo lo que engloba.
La importancia de la postura escénica
¿Es lo mismo estar en la vida que encima de un escenario? ¿Requiere de más o menos energía ponernos delante de un público ávido de emociones? ¿Podemos escondernos o por el contrario se nos ve absolutamente todo cuando estamos frente al público?
La postura escénica se refiere a cómo te colocas y te mueves en el escenario. No es simplemente colocarte recto, sino entender cómo cada parte de tu cuerpo comunica un mensaje y por supuesto habitarlo, habitar tu cuerpo y ser consciente de él.
¿Qué consejos podemos dar para una postura adecuada? Aquí sacamos los manuales y los libros de teatro, yoga y sentido común.
- Mantén la espalda recta: Esto no sólo transmite confianza, sino que también permite que tu voz proyecte mejor. Algo básico a lo que queremos añadir que un cuerpo flexible o dúctil, una persona que es capaz de ir transformándose en escena es más interesante que una sola espalda recta, siempre y cuando habitemos esa transformación.
- Usa tus manos con propósito: Evita movimientos innecesarios. Cada gesto debe tener una razón. ¿Cuántas veces vemos los brazos o las manos de los artistas lacias, muertas, sin vida…? Y qué feo es, presta atención, las manos son grandes comunicadoras.
- Practica caminar con gracia: Tu manera de moverte fomenta mucho tu interpretación. Y qué fácil es decirlo ¿verdad? Ala, venga, camina con gracia… sí pero y eso… ¿cómo se hace?, ¿hay que apuntase a una agencia de modelos? Si, porque no…
Cómo moverse en el escenario
Moverse en el escenario no es simplemente caminar. Es un arte en sí mismo. Aquí van algunos consejos buscados en las grandes páginas de la historia de internet:
- Anticipa tus movimientos: Antes de entrar en escena, visualiza tu ruta. Una gran maestra nos decía que hay bailarines que aunque no estén en es momento en escena desde bambalinas están repitiendo internamente la coreografía de sus compañer@s.
- Usa todo el espacio: No te quedes estático en un solo lugar, a menos que el guión lo requiera y si así lo requiere no mueras, mantente vivo. Permanece en el presente.
- Interactúa con otros personajes: Tu relación con ellos es vital para la historia. En la vida muy poca gente pasa sin relacionarse y ese tipo de relación también nos está comunicando cosas.
Venga que te echo un cable anda, porque estos consejos así leídos son bastante sui géneris.
¿Un paso más para potenciar la presencia escénica?
La conexión con el público
Una vez en el escenario, es esencial recordar que no estás solo. Es todo un camino artístico el aprender a conectar y a sentir al público. Un gran payaso italiano me dijo una vez -Cuando los artistas salimos a escena debemos saber que ya estamos conectados con el público, la conexión ya existe- y aquellas palabras para mí fueron reveladoras.
¿Los espectadores están percibiendo tu mensaje? ¿Puedes adaptarte a sus reacciones tanto positivas como negativas? ¿Qué pasa si no lo hacen como tú esperas? ¿Conoces a alguien que haya abandonado su carrera porque no consiguió una reacción emocional precisa en su público la primera vez que lo intentó? ¿De qué dependen todos estos factores?
La voz y cómo hablar en un escenario
- Proyecta tu voz: No se trata de gritar, sino de hablar desde el diafragma. Ya sí, qué fácil escribirlo pero ¿cómo se hace? Si solo con leerlo pudiéramos hacerlo no existirían ni escuelas de voz ni de teatro. Las teorías y los consejos están muy bien pero si no tienes a alguien que te guíe o haya recorrido el camino antes que tú para indicártelo es bien difícil ser autodidacta en estos campos.
- Varía tu tono y ritmo: Esto mantiene la atención del público y aporta dinamismo a tu actuación.
- Practica la pronunciación: Cada palabra debe ser entendida claramente. Algo concreto que puedes hacer es ponerte un corcho en la boca y decir todo lo que vayas a decir con él puesto. (Mi primer profesor de voz Olaf Fernández nos regaló a toda la clase un corcho atado en un cordel para colgárnoslo al cuello y así practicar… -siempre me pregunté si se había bebido todas esas botellas-. Luego me di cuenta de que era más de cerveza (Olaf digo).
Veamos cómo mejorar la presencia escénica en la música, el circo, el teatro, la poesía o la performance
Cuando hablamos de presencia escénica, generalmente pensamos en teatro. Sin embargo, esta no es la única forma de arte que se beneficia de una presentación bien ejecutada. La música, el circo, la poesía y el performance también pueden brillar o desvanecerse según cómo se presenten ante la audiencia.
¿Cuántas piezas a priori interesantes con sinópsis que nos vuelan la cabeza y que atrapan nuestra atención de forma inmediata resultan más tarde tediosas porque carecen de lo esencial, es decir, la comunicación con el público? No estamos hablando de romper la 4ª pared ni hacer que nuestra audiencia dé palmas para que se sienta integrada sino de, traducir lo que queremos comunicar para que le llegue claramente el mensaje a nuestro público y esto en muchos casos no se hace.
Necesitamos hacer este trabajo para que el público sepa a qué juego vamos a jugar y luego sí, dejarle libre para que interprete dentro de ese marco ofrecido. Pero señores, hay que presentar el marco o comunicar que nuestra propuesta va sin él (puede ser abstracto o absurdo) y éste es el trabajo del asesor o la mirada exterior, alguien que es capaz de mejorar lo que tú traes de serie y te ofrece herramientas nuevas para multiplicar tu propuesta.
La música: Más allá de las notas
Una buena puesta en escena en la música va más allá de simplemente tocar las notas correctamente. A nivel dramático cuando una banda de músicos o un músico se sube a escena no suele ocurrir nada entre ellos pero ¿y si pasara?
¿Acaso está prohibido que se rompa el típico cuadro flamenco o la típica formación de bandas para que pase algo dramático? (Entendiendo por dramático el comunicar algo concreto). ¿Es muy arriesgado salir de nuestra postura estática durante una hora y media y hacer que pase algo en escena? ¿El público será capaz de aceptarlo?
Creo que si estás leyendo esto tienes la respuesta.
Interacción con el público
- Conexión visual: Mantén contacto visual con tu audiencia. Hacerlo crea una conexión emocional con ellos. Eso no lo dudes.
- Movimiento: Muévete en el escenario y coordina con tus compañeros, desarrolla una pequeña acción dramática donde se cuente algo que aporte un plus a tu espectáculo, propongamos pequeñas dramaturgias sin miedo.
Ambiente y estética
- Iluminación: Una iluminación adecuada puede resaltar momentos clave de tu pieza, concierto… Hay grandes profesionales que pueden aportarte una gran suma en este campo.
- Vestuario: Viste de acuerdo al género y al mensaje que deseas transmitir o haz todo lo contrario. Haz una propuesta de estilo teniendo en cuenta que cómo vistas habla de tí o de tu personaje. No vale que te pongas unos vaqueros por pereza o por no saber qué ponerte o por que tú eres músico y no tienes porque “disfrazarte”. Os recordamos que todo comunica y tu vestuario también. Es como si te dijeran, no afines la guitarra da igual. No, no da igual. Y si eliges ponerte un pantalón de pijama porque te gusta ir cómodo necesitamos saber por qué.
Circo: El arte del asombro
El circo es una amalgama de habilidades que con una buena puesta en escena es, lo que realmente cautiva. ¿Podemos quedarnos sólo con el virtuosismo de un artista circense o nos gusta que haya algo detrás de la proeza? ¿Podemos exigir menos habilidad si hay más emoción o transmisión de mensaje?
Secuencia y fluidez
- Orden de actos: Según los manuales se comienza con algo impactante para captar la atención, pero se reservan los actos más impresionantes para el final. Incluso los grandes payasos que supuestamente sólo hacen payadas son grandes acróbatas, músicos o malabaristas que sorprenden por sus habilidades especiales. Descubre cuál es la tuya y crea un orden con una intención caminando más allá del hecho gimnástico en sí.
- Transiciones: Asegúrate de que los cambios entre actos sean fluidos o mejor dicho verosímiles. A menudo en el circo no resta importancia a la transición de una escena a otra, se cambia de escena y punto. Una gran maestra decía que lo más difícil en el teatro son las transiciones y es un idea que comparto desde todos los planos: de lugar, de escena y sobre todo emocionalmente hablando, si el espectador no te sigue o le cortas continuamente su hilo emocional será fácil que desconecte de la propuesta.
Interacción con el espectador
Invita al público. Ya sea a participar o simplemente a ser parte del acto mediante reacciones, hazlos sentir incluidos. Este es un gran tema que trataremos en otro artículo pero sin duda cuando uno se siente dentro (hay varias maneras de tratarlo) es más fácil para todos.
Poesía: Palabras que cobran vida
La poesía es íntima, pero con la puesta en escena adecuada, puede ser una experiencia compartida. Tengo un amigo que se enfada porque l@s poetas no deberían ponerse a recitar su repertorio pero a veces sienten la necesidad de ello y hay que saber con qué herramientas contamos y de las que carecemos para llegar un poco más profundo al espectador. ¿Se puede acercar la poesía a otras artes? ¿Es la más joven de todas las que estamos hablando y la menos explorada?
Uso del espacio
- Movimiento: Aquí deberíamos saber qué es lo que estamos contando cuando nos movemos. ¿Cuántas veces hemos visto a artistas que no saben plantar los pies y que lo único que son capaces de transmitir es su nerviosismo? ¿Y cuántas veces hemos visto a alguien incapaz de moverse porque se queda paralizado? Es igual de importante aunque no seamos actores/actrices saber que nuestro cuerpo cuenta cosas en relación en primer lugar al espacio, en segundo a nuestros compañeros y en tercero al espectador. Ampliemos campos propios y caminemos por nuevas tierras.
- Gestos: Usa tus manos y cuerpo para enfatizar puntos clave.
Elementos visuales y sonoros
- Fondo musical: ¿Una suave melodía puede realzar el tono de tu poema? ¿Una música llena de guitarras eléctricas puede equilibrar un poema íntimo? Hay muchas opciones y muchas decisiones que tomar.
- Iluminación: Como en las anteriores… crear atmósferas con un buen diseño de iluminación nos transporta…
Performance: Arte en acción
El performance es una forma de arte que depende en gran medida de su puesta en escena.
Elementos visuales
- Vestuario: Puede ser un elemento clave para transmitir tu mensaje.
- Objetos: Utiliza elementos que refuercen tu narrativa.
Interacción y participación
- Involucra al público: Haz que se sientan parte del acto, ya sea activa o pasivamente.
- Rompe la cuarta pared: Interactúa directamente, desdibujando la línea entre artista y espectador.
¿Cómo mejorar tu presencia escénica? – última reflexión
Independientemente del arte que practiques, la presencia escénica es un elemento crucial para conectar con tu público. La música necesita más que notas; el circo, más que habilidades; la poesía, más que palabras, y el performance, más que acciones. Todo bien combinado crea experiencias que capaces de llegar más allá de la admiración de una habilidad y cuando nos tocan el alma y nos ponen los bellos de punta… pues hasta ahí llegó.
Al centrarte en cómo presentas tu arte, no solo mejoras tu habilidad, sino que también creas un vínculo más fuerte con aquellos que vinieron a verte. Después de todo, el arte es tanto sobre el artista como sobre aquellos que lo experimentan.
La Mirada Externa: Un vía de mejora en tu presencia escénica
En el vasto mundo del arte y la creación, hay un componente que, a menudo, pasa desapercibido pero es esencial para llevar una obra o proyecto al siguiente nivel: la mirada externa, asesor teatral o regarde extérieur.
Esta figura actúa como un faro, proporcionando claridad, dirección y perspectiva a aquellos inmersos en el proceso creativo. En este artículo, sumergiéndonos en la importancia de esta visión externa, aprenderemos cómo puede ser fundamental para optimizar y enriquecer cualquier proyecto artístico
¿Qué es la mirada externa en un proceso creativo?
La mirada externa se refiere a una persona o grupo que, sin estar directamente involucrado en la creación de una obra, ofrece feedback, crítica y orientación. Esta perspectiva fresca es invaluable, ya que a menudo, los creadores están tan inmersos en su trabajo que pueden perder de vista ciertos detalles o el panorama general.
Beneficios de integrar una mirada externa
Perspectiva imparcial
Uno de los principales beneficios es obtener un punto de vista objetivo. La mirada externa no tiene un apego emocional al proyecto, lo que permite una evaluación honesta y sin sesgos.
Identificación de áreas de mejora
A veces, los artistas pueden estar demasiado cerca de su trabajo para ver fallos o áreas que requieren atención. Una mirada desde fuera puede identificar estos puntos con claridad, tanto los positivos como los lugares en los que se flaquea.
Enriquecimiento y ampliación de ideas
Una opinión externa puede aportar nuevas ideas o perspectivas que el creador no había considerado, expandiendo y enriqueciendo la obra. En mi caso concreto te puedo ayudar a reforzar y darte herramientas para solventar los puntos débiles y hacer que extraigas todo lo positivo que le des brillo y seas consciente de tu potencial y que confíes en lo que has venido a dar como artista.
¿Cómo incorporar eficazmente una mirada externa en tu proceso creativo?
Elige a la persona adecuada
No cualquier opinión sirve. Es crucial seleccionar a alguien con experiencia, conocimiento y, si es posible, familiaridad con el medio o género en el que estás trabajando.
No aceptes gente destructiva a no ser que eso te motive a seguir ya que a cada uno nos viene bien un feed back diferente, lo importante es que te conozcas como artista dentro del proceso creativo y cuentes con las personas que a tí te suman ya que a cada persona le viene bien una cosa diferente.
Establece un espacio de confianza
Para que la colaboración sea efectiva, es esencial crear un ambiente en el que tanto el creador como la mirada externa se sientan cómodos compartiendo y discutiendo ideas. Has de confiar en la persona que te acompaña sin lucha, no se trata de luchar sino de confiar, así que elige a alguien en quien confíes.
Sé receptivo y abierto al feedback
El objetivo es mejorar y evolucionar. Aunque no todas las críticas o sugerencias deben ser implementadas, es vital escuchar y considerar cada punto. Recuerda que tú eres tu propio creador y que al final tú decides lo que que deseas hacer. Escucha tus límites y ve hasta donde tú decidas y siempre hazlo con salud, es decir sin sufrimiento ni desgaste para tu espíritu.
Ejemplos prácticos de la mirada externa
- Teatro: Un director puede requerir la opinión de otro colega para obtener feedback sobre la interpretación de los actores, el ritmo de la pieza o la escenografía.
- Literatura: Un escritor puede beneficiarse de la opinión de un editor o lector beta para mejorar la trama, el desarrollo de personajes o el flujo de la narrativa.
- Artes visuales: Un pintor o escultor podría buscar la opinión de un curador o crítico para obtener una perspectiva fresca sobre su obra.
Enfoques en la dirección escénica a lo largo de la historia
El teatro, como espejo de la sociedad y reflejo del alma humana, ha experimentado una evolución constante en cuanto a su dirección escénica. Desde sus raíces en la antigua Grecia hasta las audaces producciones contemporáneas, los enfoques de la dirección han cambiado y se han diversificado. A continuación, exploramos algunos de los enfoques más influyentes en la dirección escénica a lo largo de la historia.
Dirección en el teatro griego antiguo
En las primeras producciones teatrales de la antigua Grecia, la dirección escénica era inexistente como concepto formal. En cambio, el dramaturgo, que también podía ser el protagonista, asumía este papel. El foco estaba en el texto y en la comunicación con el coro.
Teatro medieval y la religión
Durante la Edad Media, las representaciones teatrales estaban ligadas a la religión. Las obras misterio eran dirigidas por líderes eclesiásticos o miembros de gremios. La dirección tenía un propósito didáctico, buscando enseñar las Escrituras y los valores cristianos.
Renacimiento y la emergencia del director
Con la llegada del Renacimiento, surgió una mayor individualización en la producción teatral. Los “maestros de escena” comenzaron a asumir roles más reconocibles como directores, centrando su atención en la escenografía, el movimiento y la interpretación.
Realismo del Siglo XIX
El siglo XIX vio el surgimiento del Realismo, con directores como Konstantin Stanislavski quien promovió la autenticidad en la actuación. El director comenzó a ser visto como un visionario, centrando su enfoque en la psicología del personaje y en la verosimilitud de las situaciones.
Dirección Experimental del Siglo XX
El siglo XX fue testigo de una explosión de enfoques experimentales. Directores como Bertolt Brecht promovieron el teatro épico, que buscaba romper la cuarta pared y hacer que el público reflexionara críticamente sobre la obra. Otros, como Peter Brook, exploraron el teatro del absurdo y la deconstrucción del espacio teatral.
Teatro postmoderno y contemporáneo
En las últimas décadas, la dirección escénica ha adoptado un carácter más ecléctico. Se han fusionado y adaptado enfoques anteriores, y se ha dado énfasis a temas como la interactividad, la interculturalidad y la inclusión. Directores como Robert Wilson y Ariane Mnouchkine han experimentado con elementos multimedia, mientras que otros han incorporado danza, música y otras formas de arte en sus producciones.
Consejos finales para mejorar tu presencia en escena
- Estudia a los grandes: Observa actuaciones icónicas y aprende de ellas.
- Practica constantemente: La práctica no sólo hace al maestro, sino que también construye confianza.
- Recibe retroalimentación: Un director, compañero o incluso amigos pueden ofrecerte valiosos consejos. Escucha sin resistencia las opiniones de los demás, tanto profesionales como amigos y como dice mi madre: yo escucho a todo el mundo y luego hago lo que quiero.
Ahora, como te prometí al inicio, el pequeño truco más antiguo que carracuca: la autenticidad. Más allá de las técnicas y consejos, la clave para una presencia escénica poderosa es ser auténtico. Cuando realmente sientes y vives tu personaje, el público lo nota y se conecta contigo de manera instantánea.
Sé tú mismo ya que aquí no hay fórmulas mágicas ni crecepelos que nos sirvan a todos por igual, somos humanos y cada uno vibra diferente. Si ya lo sabías vaya tostón, si lo intuías afiánzalo y si estás trabajando en ello y puedo echarte un cable, no dudes en contactarme.
¡Ahora es tu turno! Implementa estos consejos (o no) y ve cómo tu presencia escénica mejora notablemente (o no). Y recuerda, el escenario es un lugar mágico; trata siempre de dejar un pedacito de tu alma en él.
